El interiorismo como estrategia discursiva

O cuando los interiores parecen devorarnos

/ 20 junio, 2016

… del griego Auto (uno mismo) y  Phagos (comer)

Se está volviendo a la “pintura-pintura”. Es una realidad consumada, y no desde ahora, sino ya desde la década anterior, quizás un poco antes. De ahí que no deba sorprendernos que el circuito exhibitivo habanero, y entre sus más importantes galerías, la Servando Cabrera en este caso, se acoja desde inicios del mes de mayo, la propuesta personal de Osvaldo González lograda en óleos y lienzos.[1]

Quizás, lo interesante radique aquí, que no encontramos en los diversos bastidores la ya manida figuración actual de corte expresionista y/o grotesca, de colores exorbitantes y donde la presencia del sujeto humano, la ciudad u objetos varios se reitera una y otra vez. El artista camagüeyano nos presenta una muestra donde las lecciones del cubismo, tal vez del suprematismo, y cierta dosis de expresionismo abstracto parecen estar muy bien aprendidas. ¿Abstracción en el arte contemporáneo cubano? Casi, pero no. Deudora  sin dudas de  estos presupuestos formales, sus propuestas nos sorprenden por la desarticulación del espacio o fragmentación en planos, por los encuadres inusitados, caóticos a veces; pero, sobre todo, por la desolación que habita en sus interiores. Sin embargo, sigue existiendo un espacio otro re-creado a partir de referentes reales tomados de su propia cotidianidad y, por tanto, de clara vocación autorreferencial. Y los títulos, ellos también afirman la nueva metonimia que representan sus interiores.

En efecto, el interiorismo, recurrentes dentro de la producción de Osvaldo González – La habitación doble, La conversación, A una hora incierta (2013), A Lemon Tree (2014), Ámbar, El camino, Cuatro forma de mirarte (2015)- se ha convertido en su estrategia discursiva. La ciudad, el sujeto, los objetos publicitarios, tomados sobre la base de la manipulación fotográfica, se trastocan en su caso en entramados arquitectónicos privados que no simulan ser, simplemente son, la exteriorización de problemáticas y búsquedas personales. Tal vez se trate de una imagen construida como choque perceptivo, como una explosión visual que intenta desautomatizar, llamar la atención sobre esos pequeños espacios que por cotidianos y comunes, pasamos por alto, y donde sin embargo, se disgregan las memorias, los fragmentos de nuestra vida (Donde reposa la mirada y Dos Horizontes). O solo tal vez, se nos hacen ajenos, una realidad fría y deshumanizada que escapa de todo sentido; tan quieta que nos cuestionamos su existencia y donde la atmósfera parce cargarse de algo más que no vemos, y tampoco llegamos a entender del todo (El orden del caos y La sabiduría del principiante).

Es entonces cuando notamos que en medio de ese vacío casi metafísico, de esa ausencia total de vida humana, los espacios se dilatan y parecen caer más severamente sobre nosotros. Asuntos particulares, se convierten en universales y no tenemos otra opción que iniciar el proceso de auto- phagos (más conveniente pensarlo en este caso como reflexionar) [2].

He aquí, solo como especulación, una posible teoría para el concepto curatorial propuesto por el propio artista: Autofagia. Sin embargo, no convendría dejar de lado otras posibilidades que el mismo término parece entrañar, pero no ya desde el aspecto conceptual. La retroalimentación de su obra pasada, en términos temáticos fundamentalmente, puede implicar una búsqueda plástica de nueva magnitud. Casi como un nuevo término que bien podría acuñar un fenómeno conocido por nuestros contemporáneos: la cita, el guiño, la intertextualidad. En este caso, de la propia obra o, mejor expresado, de la obra anterior del mismo artista. Un juego tan irónico que se permite cuestionar incluso en algunas piezas donde duplica y falsea la realidad material de un cuadro al interior de otro cuadro. (Autofagia)

Los espacios que antaño se presentaban llenos de objetos, de vitalidad, aun cuando escaseaban los personajes, casi que dispuestos como escenografías… son retomados de nueva cuenta. No obstante, apreciamos en esta muestra como el artista se explaya en las transformaciones formales de la materia pictórica segmentada en planos a la manera cubista (El encuentro) o con la superposición de áreas geométricas abstractas (La habitación de Morandi). O como el caos de las aglomeraciones anteriores, cede paso a un ordenamiento a priori y, en consecuencia, a la evocación de ambientes sombríos y abrumadores a la más clara usanza del ideal metafísico. (El orden del caos).

La parquedad del color, la síntesis compositiva, y la reducción de formas al interior,  junto a la fragmentación visual a la que apela, hace más inquietante sus espacios. Pero también más introspectivos y devoradores. Y esa misma quietud, desolación,  para bien o para mal, ha sido trasladada al espacio real de la galería y a sus criterios curatoriales o museográficos.

A la deconstrucción de espacios le continúa la del propio ser. Las reconstrucciones formales de mismos tópico no entrañan solamente un proceso de búsqueda y experimentación formal, sino también un sentido ontológico de cuestionamiento donde los espacios interiores de la creación se homologan con los del espíritu para crear un arte, dentro de arte, una realidad dentro de otra, un lienzo en un lienzo… solo, solo como un simple proceso de autofagia artística y personal.

 

[1] Inaugurada el 6 de mayo, la exposición que presenta 8 óleos estará abierta en la galería habanera hasta el 17 de junio.

[2] En términos biológicos, autofagia describe un proceso catabólico constitutivo y reparativo que implica la muerte celular, pero que también regula el crecimiento celular y desarrollo. Así, contextualizándolo en esta problemática particular, podríamos pensarlo como la necesaria auto-reflexión del ser humano que siempre pude implicar la pérdida de ciertas opciones o status, pero también el necesario crecimiento personal y espiritual.

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