El fósil de José E. Yaque

/ 9 junio, 2015

Del objeto, su muerte y resurrección

Hay quien convierte la creación en una experiencia sensorial. Las obras de José E. Yaque (Manzanillo, 1985) tienen esa extraña cualidad de manipular el acto perceptivo. El encanto de sus piezas radica justamente en lograr una sensibilidad ante el hecho estético sin que medien barroquismos conceptuales. Él va y viene en el tiempo, nos despoja de anclajes históricos, se mueve entre las diversas manifestaciones artísticas. Demuestra una erudición aún por explorar. Por ello, la Duodécima Bienal de La Habana encontró una estrecha conexión entre sus postulados curatoriales y la poética de este creador. De su presencia en esta edición nos comenta el artista.

Hemos visto –a lo largo de tu carrera artística– obras que abrazan los conceptos de arte y naturaleza. ¿Cómo entiendes esta relación?

Estos conceptos siempre están en mis obras, aunque yo los pienso como una sola cosa. Lo resumiría en una idea, que creo que encierra ambas esencias: “la creación”. La naturaleza es la evidencia permanente, omnipresente, que más me impacta de la creación. Ésta existe en la naturaleza, existe en nosotros, y quizás un fenómeno donde se manifiesta con fuerza es en el arte. A veces tomo como principio la expresión “La creación no entiende”, título de mi trabajo de graduación en el ISA y de una serie de obras posteriores. Esa frase me ayuda a explicar mi idea de creación, la cual asumo, además, con toda la carga irracional que refleja dentro de la naturaleza.

La naturaleza está en todas las cosas, pero también se esconde detrás de todas las cosas. Este es un pensamiento extraído de la filosofía oriental, del cual me apropio en ocasiones. La naturaleza es lo que tú entiendes y lo que no entiendes también. Eso la hace increíble, inspiradora. Tengo una serie de piezas a las que llamo “obras vivas”, donde trabajo directamente con elementos naturales, retoños, semillas. Me fascinan ese tipo de obras que son, esencialmente, resultado de la contemplación; donde yo, como ente social, no estoy originando nada. Creo que uno colabora con la creación permanentemente, ella existe independiente, te trasciende como artista, como persona. Son piezas producto de la contemplación que sencillamente uno percibe, y designa.

Si bien apreciamos un excelente dominio técnico en tus dibujos y pinturas, existe otra parte de tu creación en la que otorgas especial atención al espacio. ¿Qué relevancia adquiere el elemento natural y el reciclaje en este tipo de piezas site specific, y cómo las relacionarías con tu obra planimétrica?

Lo primero es cómo entiendo la técnica. La técnica para mí no es una cosa a priori de la cual yo puedo echar mano cuando voy a hacer una obra. El concepto de técnica que interviene en mi trabajo se evidencia en la medida en que se desarrolla la obra, en el proceso. En ese caso nunca he rechazado tal noción, es imposible estar en contra de ella. La técnica se manifiesta siempre, hagas lo que hagas, pero en mis trabajos intento que ésta no coaccione el proceso. Es asombroso cuando estás en medio de algo y afloran otros caminos. Ahí comienzas a desplegar modos de hacer, nuevas formas. En ese sentido, no comienzo casi ninguna obra con una idea preconcebida; no creo ninguna pieza pensando en lo que quiero exactamente. Por lo regular la hago con lo que tengo, idea u objeto, sin distinción, para mi idea-objeto/forma-contenido es lo mismo. Es un largo trayecto que comienza con la búsqueda, luego la idea se va aclarando, voy encontrando la imagen, que en realidad es lo más importante, y en ese proceso la técnica juega un papel fundamental. Para mí la técnica se debe ir revelando; aspiro a esa imagen final, pero sin una técnica anticipada. Por lo que la relación entre mis obras planimétricas y tridimensionales responde a esa lógica. Al principio no sé si el resultado va a ser pintura, dibujo, instalación, u otro medio. Muchas veces comienzo una obra creyendo que es un dibujo y termina siendo una pintura, o una instalación que se resume a un dibujo o cualquier otra “concepción extraña” que termino calificando de enviroment o site specific.

Respecto al espacio, evidentemente la obra siempre termina en uno, que puede ser más o menos elocuente. Todos los espacios tienen su discurso y yo tengo el hábito o la sensibilidad de escucharlo antes de mostrar el resultado. Casi siempre es el propio sitio el que me invita o convoca. Me interesa además que el espectador articule una relación física con la obra, no sólo intelectual. Cuando expuse en el Centro de Desarrollo de las Artes Visuales la pieza “Perseverancia derramada” que consistía en una manguera de bomberos con una maceta en un extremo y un retoño en el otro, utilicé la escalera de acceso a las galerías de la planta alta como lugar de emplazamiento. Al principio estaba la maseta y al final del recorrido encontrabas el retoño. Ahí se establecía una relación física con la obra, que no era una metáfora ni una cosa poética, era algo que experimentabas con el cuerpo entero.

La Duodécima Bienal de La Habana se ha propuesto potenciar aquellas obras donde lo procesual gana una importancia notable. En este sentido, sabemos que en sil II –tu propuesta para esta edición– el proceso de trabajo adquiere tanto protagonismo como su resultado. ¿Pudieras explicar en qué consiste este proyecto y cómo se hará visible?

Del suelo viene casi todo y al suelo regresa en un eterno movimiento circular. La obra que titulé sil II, pretende reflexionar sobre este tema, lo cíclico y lo trascendente. Cuando Miguel Ángel realizaba sus esculturas, decía que lo único que hacía era sacar de la piedra, cuerpos y formas que ya habitaban en ella. Su proceso de trabajo era una especie de colaboración. Con la obra sil II entre otras cosas, pretendo, mediante un proceso inverso, devolverle al suelo lo que de él presuntamente proviene. Dar sepultura a un objeto personal, aunque ordinario, pero también a una idea para luego recibir del suelo algo diferente. Cuando presenté el proyecto al Centro Wifredo Lam, dejé abierta la posibilidad de seleccionar el lugar de emplazamiento. El equipo curatorial podía involucrarse y sugerirme áreas. José Manuel Noceda, curador de la Bienal de La Habana, me comentó de un espacio en Casablanca y cuando estuve allí me encantó. A pesar de que es una obra anterior, en esencia sigue siendo la misma. Sin embargo, el cambio radica en el espacio escogido. Al ser un terreno en desuso, escenario de un derrumbe, entraba en sintonía con el tipo de obra que he venido haciendo, donde se manifiesta esa idea de los vertederos, lugares donde el objeto se transforma y regresa a la tierra. Por ese motivo siempre trato de entender el discurso curatorial de las exposiciones, para tratar de que mi obra se inserte de manera efectiva.

Teniendo en cuenta que sil II se va a construir en el tiempo, y que muchos de sus espectadores sólo la apreciarán parcialmente, ¿Has pensado en documentar este proceso y exhibirlo como parte del resultado?

El proceso definitivamente va desde que nace hasta que muere la obra. La mayoría de las veces hay un resultado formal, que ilustra o no todo el ciclo anterior. En mi caso, soy muy celoso cuando alguien me pide que documente a modo de fotografía o video. A mí me gusta dejarlo en “formato rumor”; ni fotográfico, ni videográfico, sino ver cómo la gente –en la medida que vas haciendo la obra– se conecta, son parte de ella, te sugieren, comentan. Creo que ese es el momento para poner a prueba las ideas.

Loliett Marrero Delachaux

Loliett Marrero Delachaux

La Habana, 1990. Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de La Habana. Desde 2013 labora como especialista en el Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam. Ha publicado artículos sobre arte cubano y latinoamericano en las revistas Arteamérica, El Caimán Barbudo, Extramuros y el Boletín Ojeada que emite el Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam.

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