Wilfredo Prieto en la mira

/ 19 julio, 2014

(…) Mientras estudiabas en el ISA realizaste varias obras de arte público, muchas de ellas icónicas en tu trayectoria. ¿Qué profesores tenías en aquel momento y cómo crees que incentivaron tu interés hacia la intervención pública?

Esa era la época en que estaba trabajando con Eduardo Ponjuán, con René Francisco y con Gustavo Pita. Fue la etapa donde me estaba cuestionando toda la educación, la enseñanza artística que había recibido. Había estudiado pintura, donde estás limitado a un cuadrado representacional, y en ese cuadrado vuelcas tu interpretación de la realidad. Cuando estábamos en la universidad nos cuestionamos los límites del arte, la relación arte-vida, donde está “el salir fuera” de los contornos del arte, dónde comienza una obra y dónde termina. Y de ese debate surgieron una serie de piezas que tenían que ver mucho con la intervención pública, con el paisaje, que es algo que hoy en día estoy retomando. (…)

 

Me gustaría traer a colación tres obras que no están relacionadas temáticamente, ni siquiera pertenecen a la misma época, pero en las que se produce una curiosa relación entre el espacio exterior, llamémosle público, y el espacio interior del museo o institución donde se han mostrado. Las obras son Mucho ruido y pocas nueces (Galería Habana, 2003) Línea ascendente (Frieze London, 2007) y Sin título (Alfombra roja) (la versión exhibida en el Museo Tamayo, México DF, 2013). Con todas estas obras me pasa que una vez que las ves en su totalidad sientes la necesidad de releerlas porque no sabes si se leen de afuera hacia dentro o en el sentido contrario.

(…) para mí leer arte se puede entender como el comer. Te sientas en una mesa donde tienes todos los cubiertos, la silla cómoda, el vino en la copa fina para saborearlo mejor, vas a comer con el tenedor adecuado que ayuda a oxigenar el alimento y todos esos detalles te introducen en la comodidad de la experiencia. Sabemos que el museo es el lugar para ver arte. Tienes el espacio, el silencio suficiente, la iluminación adecuada, la distancia y todos los elementos que condicionan tu experiencia en ese espacio. Sin embargo, cuando comes en la calle y en otras circunstancias menos apropiadas o menos cómodas se produce otra experiencia; comes con las manos o arrancas a trozos el sándwich mientras vas en la bicicleta porque tienes hambre o estás apurado, y es otro el placer de esa comida. No es el lugar para comer, de ahí que el sentido de la comida cambie, pero puede ser igual de disfrutable. Quizás estas comiendo mientras te da el sol, el viento, y se produce otro placer, el mismo que podría tener la lectura del arte en otro contexto, en el espacio exterior.

En estas tres piezas sí que se produce esa relación.

 

¿Cómo surgió la idea de Circo triste (2012), tu intervención en la última edición de la Bienal?

La intención con Circo triste era crear un espacio interior en el espacio exterior. Hacer un espectáculo llamativo en el centro de la ciudad, y que toda esa estética del espectáculo quedara en la apariencia, porque la imagen del interior del circo es dramática. A fin de cuentas era un circo vacío, abandonado por sus propios trabajadores, un espacio sin vida. Para mí era más bien una reflexión en torno a la institución cultural, sobre la institución social y política; era reflejar ese punto de crisis, de abandono, un momento de jaque. Aquí me interesa la idea del fracaso como concepto, y poder congelar ese instante en que se acaba el espectáculo y el público se va, dejando la escena en un stand by absoluto, donde es precisamente ese vacío el que está generando el contenido de la pieza. Como sacar el fotograma de lo que nadie vio, o que se pasó por alto en una película, y así eternizar la imagen.

 

  1. Wilfredo Prieto en la miraFragmentos de entrevista inédita, primavera, 2014.

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