Un #artista sin hashtag

Conversando con Antonio Gómez Margolles

/ 19 noviembre, 2015

Antonio Gómez Margolles (La Habana, 1972) es uno de los artistas más versátiles dentro del panorama artístico contemporáneo. Ha trabajado el dibujo, la pintura, la fotografía, la instalación, la video y el llamado “new media art”. Cada lenguaje utilizado en sus obras ha sido escogido por idoneidad expresiva, en función del concepto de la obra. En los últimos años ha preferido el mundo de los “cacharros” -desenfado con que algunos creadores suelen llamar al tipo de obra que utiliza medios tecnológicos- como plataforma capaz de traducir sus nuevas inquietudes en temas sociales, políticos, etc. (…) Sin embargo, Margolles desiste de las etiquetas, cree en la movilidad del arte y su facultad de servirse de la naturaleza y todo lo que le rodea para comunicar lo mejor posible. En medio del montaje de su muestra personal Dialelos, presentada en la galería Villa Manuela, entre cables, sensores, proyectores desarmados y “bateos” predecibles, conversé con Tony.

 

C: Cuéntame un poco de dónde parte tu afición por la ciencia y los motivos de su exploración desde el arte.

A: (…) La ciencia, como la herramienta más efectiva que del pensamiento racional, tiene sus límites y con ellos me refiero a los fenómenos que aún no se pueden demostrar con ecuaciones. Creo que comencé a cuestionármelo desde hace muchos años, recuerdo que desde muy jovencito, no comprendía, no cabía en mi cabeza que algo fuese infinito, que no se acabara nunca, precisamente por tener un cerebro, un sistema de pensamiento y una existencia en esta vida no infinitos, más bien cortos y limitados. Pero estos temas y cuestionamientos tampoco fueron la motivación inicial.

Encontré la ciencia cuando abandoné la pintura y comencé a experimentar con otros medios, con otras herramientas que me permitieran implementar otras estructuras más acordes con mis nuevas ideas. Creo que el video, y los programas de edición de imágenes me fascinaron. Me encontraba ante algo que podía cambiarlo todo, me refiero a la manera en que veía y comprendía el arte. Aunque siempre lo he abordado y asumido como un gran campo de experimentación, sería muy aburrido hacer lo mismo durante muchos años o toda la vida… no aprenderíamos nada, ni cambiaríamos nada.

C: A partir de tus dibujos titulados Paisajes digitales (1999) se evidencia un interés por el sistema de representación de textos del lenguaje de programación. ¿Qué relaciones hallaste entre estos sistemas matemáticos y las operatorias del arte? ¿Cuándo comenzaste a explorar con los medios tecnológicos? ¿En qué medida este hecho representó un detonante del cambio de la visualidad en tu obra?

A: Las operatorias del arte son disímiles; contrario a las de las ciencias. Creo que esa es la relación, me refiero a que los procesos de las ciencias puras están muy lejos de los del arte. Algo que también es sensible a debates es el propio término de tecnología o tecnológico.

La tecnología es un término muy abarcador. Se trata de las herramientas que hemos creado para alcanzar, resolver o entender lo que nos trasciende como seres limitados. A mi entender, el lenguaje es una de nuestras herramientas tecnológicas más sofisticadas, luego con el devenir de las culturas hemos creado muchas otras. En nuestra actividad o nuestro terreno, que es el arte, hay muchísimos ejemplos de artistas que han usado las nuevas o más avanzadas tecnologías de su momento para ponerlas en función de la creación artística.

Comencé a utilizar el video y los ordenadores cuando aparecieron en nuestro país, cuando tuve la oportunidad de tener una computadora y me senté frente a ella me di cuenta de que era una herramienta tecnológica de alcances incalculables para mis expectativas como artista, indudablemente cambió mi manera de pensar y de proyectar mi trabajo… eso fue a finales de los 90 cuando recién me graduaba del ISA.

C: Desde hace poco más de una década algunas de tus piezas se caracterizaban por la inclusión de tu cuerpo y elementos cotidianos que reforzaran la idea de la esterilidad e infertilidad como metáforas del propio proceso creativo o de la (in)capacidad de pensamiento y acción social. ¿Crees que estas preocupaciones persisten en tu obra? ¿Cuáles otras han surgido luego de tus consecutivas experimentaciones?

A: Cuando realicé esas obras, efectivamente, trataba de hablar de la infertilidad y esterilidad, no como procesos físicos y biológicos, sino de lo improductivo de muchos de nuestros actos en los que yo como artista incluía la creación. Todo esto persiste en mi trabajo en el sentido de que sigo pensando fríamente, que el arte no tiene ningún valor práctico, que no sirve para nada, aunque sea mi pasión. Esto lo he constatado muchas veces. He conocido muchas personas sensibles, cultas e inteligentes que no entienden el arte contemporáneo, y creo que es por eso.

(…)

C: En esta nueva muestra personal, Dialelos, ¿por qué recurres a Michael Faraday? ¿Qué intentas demostrar o exponer mediante la historia de vida de este científico?

A: Recurro a Faraday por su genialidad e intuición, porque a pesar de no saber ni entender las matemáticas llegó a imaginarse los campos de fuerzas magnéticas que rigen el universo para intentar demostrarlo, hacia diagramas y dibujos. Me parece un ejemplo paradigmático de la singularidad en la inteligencia humana. Solo intento mostrar -no demostrar-, los matices, grietas, fallas, o dones del pensamiento, en este caso de uno en específico.

C: ¿Cuentas con un equipo asesor que programa tus ideas o tú mismo intervienes? ¿En qué medida crees que estos conocimientos han nutrido el desarrollo de tu trabajo?

A: Desde muy niño me gustaba desarmar y reconstruir (en los casos más felices) todo lo que caía en mis manos… absolutamente todo. Como profesional tengo la suerte de tener colegas y amigos con quienes debatir y generar soluciones diferentes para la realización de mi trabajo, y viceversa. Cuento con el gran apoyo y ayuda de mis amigos artistas. (…)

C: Hace aproximadamente un año presentaste en el Centro Wifredo Lam la exposición Make a statement en la que Jorge Fernández advirtió “una visualidad diferente (…), que obliga a replantearnos la noción que tenemos del arte (…), y siente el peso del agotamiento de los conceptos”. ¿Qué ideas de esa experiencia anterior continúan siendo constantes en esta muestra y cuáles resultan la nuevas?

A: A pesar de que a mi trabajo lo une un hilo conductor, cada muestra, y cada obra tiene sus características, digamos que responden en primera instancia al pensamiento o a la inquietud más latente que tenga en ese momento. Con Make a Statement quise centrar el foco de atención en la parte o el lado decadente que muestra el pensamiento y la cultura que hemos heredado. Las obras como Odisea, Errores del Modelo, la serie fotográfica La Llegada al Fracaso y la propia Make a Statement, que daba título a la exposición, trataban de discursar sobre ese estado de ánimo de confusión, contaminación cultural, decadencia, crisis y exceso de racionalidad que nos ha llevado a un sinsentido irracional.

En gran medida, todo lo que estoy generando y proponiendo tiene el mismo sentir o la misma motivación como el hilo conductor del que te hablaba, y en ese sentido todavía constituyen una especie de constante, pero como también -decía anteriormente-, la motivación es solo eso, luego hay que traducirla en un lenguaje complejo como el arte, y es ahí donde aparecen nuevas interrogantes.

 

*Resumen de entrevista publicada en Noticias Artecubano, 10/2015

Claudia Taboada Churchman

Claudia Taboada Churchman

La Habana, 1990. Crítica de arte y curadora para la Galería Villa Manuela. Textos suyos pueden consultarse en catálogos de exposiciones y en publicaciones como la revista Artecubano, Revolución y Cultura, La Jiribilla, el tabloide Noticias Artecubano y los sitios web Habana Patrimonial y Habana Cultural. Recientemente uno de sus proyectos curatoriales fue premiado con la Beca de Curaduría que otorga el Centro de Desarrollo de las Artes Visuales.

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